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Segunda-feira, 22/1/2007 Jobim: maestro ou compositor? Luís Antônio Giron
O fato é que Tom conhecia onde se encontrava a arte de escrever música, mas não era sua obsessão nem especialidade arranjar composições e reger orquestras, embora o tenha feito em algumas raras ocasiões. Na realidade, seu prato forte era a arte de compor. Para demonstrar a idéia, é necessário não só acompanhar a carreira do músico – influências, repulsas e interditos –, mas analisar algumas de suas composições. Ele marcou a música popular brasileira como autor semi-erudito (ou “semi-sério”, como querem os puristas). Aparentemente, a reflexão é ociosa. No entanto, caso o ouvinte prestar atenção na série produtiva da música popular brasileira, descobrirá a existência de duas correntes centrais que fazem a história dos gêneros avançar: a corrente espontânea e a por assim dizer artificial ou artificiosa – no sentido de obra de arte determinada e construída em registro culto. Pertencente à segunda corrente, Tom Jobim não contou com a inspiração espontânea. Se improvisou, foi para registrar o que valia a pena em pentagrama. Isso o diferencia de autores intuitivos, como Cartola, Dorival Caymmi, Wilson Batista e Bororó. E o perfila com autores que fizeram a diferença no avanço da estrutura da música brasileira. Entre eles estão Sinhô, Ary Barroso, Custódio Mesquita, João Donato, Ivan Lins e Egberto Gismonti. Como seus irmãos de linhagem, Tom foi autor de música escrita, planejada e supervisionada até o resultado final. As duas correntes ora se misturam, ora rejeitam uma à outra, gerando a história, os conflitos e a fecundidade inigualável da música popular brasileira. No topo da correnteza, beneficiando-se delas, domina o Tom. O músico deixou uma coleção de canções maravilhosas, com melodias e harmonias repletas de desvios da norma, sem, no entanto, romper com ela. Pelo contrário, toda a obra de Tom – cerca de 400 canções, feitas entre 1950 e 1994, 101 delas registradas no songbook de Almir Chediak – é o testemunho de uma educação musical consistente, em piano, harmonia, contraponto, solfejo, instrumentação. Isso para não mencionar a educação poética, que faz de muitas de suas letras exemplos máximos do gênero. Basta ouvir algumas canções compostas exclusivamente por Tom – “Pensando em você”, “Fotografia”, “Águas de Março”, “Wave” – para se dar conta dos ecos de outros compositores e poetas em sua produção – e, mesmo assim, de sua originalidade. Artista consciente de sua linguagem, escreveu música com o auxílio de um instrumento mais amplo do habitualmente usado na música popular: o piano. Tom se apossou de um repertório musical imenso. Sua marca foi a da diferença e da sofisticação. As modulações e acordes, o irrupção de um timbre ou de uma levada, tudo o que surpreende o ouvinte no decorrer de uma canção jobiniana pode surpreender por se tratar do contexto da música popular, sobretudo em um gênero como o samba, “elevado” à condição de objeto de arte pelos bossa-novistas. A obra de Tom só faz reforçar o sistema harmônico moderno, herdado de Frédéric Chopin e Claude Debussy, retraduzido por George Gershwin e os jazzistas norte-americanos, disseminado pela música popular. Sua produção é divisível em três seqüências distintas. A primeira marca o início de carreira. A partir de 1952, Tom lançou sambas e sambas-canções camerísticos com envergadura harmônica erudita. Em canções tristes como a que marcou sua estréia – “Incerteza”, em interpretação de Maurici Moura (Sinter, 1952) – e as que se sucederam – como “Faz uma semana”, “Solidão” e a bem-humorada “Teresa da praia” – fazem-se ouvir aqui a influência de Radamés: dinâmica contrastante, acordes de nona e décima primeira, melodia cromática, modulações e a instrumentação camerística, com uso de instrumentos clássicos, como violoncelo, oboé e fagote. A segunda seqüência de imaginação jobiniana parte da forma de execução do samba formulada pelo cantor e violonista João Gilberto: a Bossa Nova. Tom adotou a suave melancolia bossa-novista (cujo teórico é Vinicius de Moraes), reduziu a dinâmica aos pianos e pianíssimos, concentrou a instrumentação e adaptou a técnica pianística ao esquema simplificado do violão (pela primeira vez, este instrumento, e não o piano, dava as cartas numa mutação da MPB) – ao mesmo tempo que ampliou o vocabulário harmônico. Assim nasceram “Samba de uma nota só”, “Água de beber” e “Insensatez” (acusada de plágio do “Prelúdio nş 4” de Chopin, peça tocada por iniciantes de piano), entre tantas canções hoje consideradas clássicas. A terceira e última seqüência pode ser definida como neo-sinfônica. As composições – “Águas de Março”, “Passarim”, “Urubu” – se tornam mais ecológicas e autobiográficas. As harmonias refluem para o esquema clássico da primeira fase, acrescidas de novas ousadias (clusters, acordes de sexta ou de quinta aumentada) e pedais que diluíam a rítmica da Bossa Nova num universo de citações em expansão. É como se o autor quisesse abafar a influência de João Gilberto no espírito de sua clave, em benefício das lições de Villa-Lobos. Em 52 anos de vida artística, Tom revelou uma imensa capacidade de submeter todo tipo de informação musical ao próprio talento criador. Entre os interditos, destacam-se a música serial (que aprendeu na fonte, pois foi aluno de Hans-Joachim Koellreutter, pioneiro do dodecafonismo no Brasil), o samba “de raiz”, e o pop. Apesar de evidentes em sua música, o jazz e a tradição erudita jamais transpõem os limites da citação e da evocação. O que ressalta no estilo do compositor é o design sonoro concentrado, realizando a síntese de tudo o que a música tocou no século XX. Não se trata de um maestro, mas não está longe da verdade afirmar que Antônio Carlos Jobim é um dos mestres absolutos da música popular mais rica já sonhada. Nota do Editor Texto gentilmente cedido pelo autor. Publicado originalmente no jornal Valor Econômico em janeiro de 2007. Luís Antônio Giron |
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